INTRODUCCIÓN AL MONTAJE

Reglas de montaje:
- La regla de la gradación a escala: a un plano general largo (un paisaje) no le puede
seguir un primerísimo plano (por poner un ejemplo) de un rostro. Deben intercalarse planos de escala intermedia entre ambos porque sino el salto es demasiado grande:
¿dónde estaba ese personaje en el paisaje anterior? ¿hemos cambiado de lugar?... El no respetar esta regla crea confusión y descoloca al espectador. 
- La regla de los 90º: si en el montaje colocamos consecutivamente dos planos de la misma escala (dos planos medios de un mismo personaje por ejemplo) estos deberán tener una diferencia en el eje de tiro de la cámara de al menos 90º. De lo contrario, al ser planos tan parecidos parecerá que ha habido un corte o al menos un efecto extraño y desagradable para el espectador.
- La regla del salto de eje: dos planos consecutivos deberán ser siempre tomados desde el mismo lado del eje de la acción. Por ejemplo, en una conversación y durante un plano-contraplano (primero se ve a uno de los personajes de frente y al otro de espaldas y, luego, al contrario) la cámara deberá estar siempre en el mismo lado de forma que el personaje A esté siempre a la derecha y el B a la izquierda y viceversa. No respetar esta regla supone sumir al espectador en el más completo caos respecto a las
coordenadas espaciales pudiendo llegar a creer que hay una tercera persona, que un personaje mira al lado contrario al hablar, etc. 


Transiciones básicas entre plano y plano: 

Dejando a parte la multitud de cortinillas y efectos digitales que los modernos programas de edición digital nos permiten, las transiciones fundamentales entre plano y plano son:


- Al corte: un plano sigue a otro directa y limpiamente. Sugiere una continuidad espaciotemporal en la acción por lo tanto hay que cuidar el raccord para no dar lugar a los "temidos" gazapos. Si cambiamos de lugar y momento de la acción mediante un corte, el plano siguiente debe ser lo suficientemente diferente como para que el espectador no piense que continúa viendo la misma escena.
- Fundido: un plano va desvaneciéndose dejando la pantalla, generalmente, en negro (aunque es posible fundir a cualquier color). 
- Fundido encadenado: un plano va desvaneciéndose y deja lugar al siguiente que va apareciendo en pantalla. 

FASES DE PRODUCCIÓN DE UN CORTOMETRAJE

Escritura del guión
A partir de una idea, se escribe el guión literario. El metraje ideal para un cortometraje es de 15
minutos o menos. La idea no deberá ser excesivamente compleja, ni pretenciosa. Es mejor
contar bien una historia. Por ello que es importante esta idea de partida: un buen guión, una
historia sencilla, y no de más de 20 minutos.


Preproducción
Recursos disponibles: Una vez decidida la idea a contar, hay que ver con qué medios se cuenta (económicos, técnicos y humanos). Por el lado económico, es cierto que se pueden hacer cortos
prácticamente gratis.

Elección del equipo técnico y artístico
Ya aprobado el presupuesto, se escoge al equipo técnico y artístico. Se pueden hacer pruebas a actores, en caso de ser necesario. 
Es primordial la buena elección del Director de fotografía, ya que será la mano derecha del director, junto con el Ayudante de dirección. También conviene tener a una persona eficaz como Jefe de producción, capaz de solucionar cualquier problema con la mayor rapidez y soltura.


El guión técnico y story board
A partir del guión literario, se escribe un guión técnico (esta tarea la realiza el director) donde se desmenuzará cada plano del corto indicando su tipo de plano (Plano General, Plano Medio, Primer Plano...) Al mismo tiempo se puede elaborar un Story Board, con una viñeta para cada plano. Esta tarea, aunque es minuciosa, ayudará enormemente a la hora de rodar, ahorrando mucho tiempo. Cada plano tendrá su propia viñeta, y vendrá indicado si hay algún movimiento de cámara (panorámica, travelling...) 



Ensayos con los actores y reuniones con el equipo técnico
Antes del rodaje es importante ensayar con los actores y mantener reuniones con el equipo técnico para establecer las cuestiones más importantes del cortometraje (tipo de iluminación, decorados, estética del corto, etc.).


Producción
El rodaje: Todo debe estar listo para rodar. Se seguirá el orden establecido por el ayudante de dirección
en el plan de rodaje, según las localizaciones, campos de luz, disponibilidad de los actores, etc.
Normalmente se tiende a rodar muchas horas seguidas para ahorrar recursos. Un corto, de
unos 15 minutos tarda en rodarse unos tres días. A veces más y otras menos, todo depende de
la complejidad del proyecto, número de localizaciones, si hay efectos especiales o no...


Postproducción

El montaje: La historia ya está registrada en tomas sueltas, ya que el rodaje no se realiza normalmente
respetando el orden del guión. Por tanto, ahora hay que ordenar las tomas dentro de la historia
que se quiere contar. También habrá que sincronizar el sonido, seleccionar la música y los
sonidos, etc.Material para el alumno


 Características de un guionista
− Ser observador
− Tomar notas de todo
− Inventar e imaginar
− Adaptar anécdotas, historias, leyendas, rumores...
− Leer todo lo que caiga en sus manos
− Escribir con corrección

                      Pasos a seguir en la elaboración de un guión


− La Idea: es una frase sencilla que resume la película. En la idea debe aparecer un
personaje, un tema y una acción. Debemos responder a la pregunta: ¿de qué trata la
historia?, ¿qué queremos contar?, en una sola frase.
− La Sinopsis: es un resumen descriptivo de personajes y situaciones. En cortometrajes,
ocupa entre medio folio y un folio.
− Escaleta de secuencias: una secuencia es el intervalo de la película con continuidad de
espacio y tiempo. Una escaleta se compone de todas las secuencias que van a formar la
película. Nos permite tener el esqueleto de nuestra película a la vista.
*En un cortometraje, contaremos entre 6 y 10 secuencias.


El diálogo


Algunas normas de diálogo:

− Se debe decir lo máximo en las menos palabras posibles. Debe tener un propósito.
No debe repetir nada ya dicho.
− El mejor consejo para escribir diálogos en cine es NO los escribas. Pregúntate, ¿cómo puedo escribir esto de manera puramente visual?
− El diálogo a veces no requiere frases completas con artículo, verbo, adjetivo, pronombre etc. Requiere frescura. 
− Los silencios son tan importantes como el diálogo.
− El modo de pensar del personaje se debe reflejar en sus actos, como dijimos, pero también en sus diálogos.
− Resultan interesantes (siempre que proceda) las frases suspense... que dejan al espectador colgado deseando saber qué se va a decir.

ASPECTOS BÁSICOS SOBRE LENGUAJE AUDIOVISUAL

Tipos de obras audiovisuales

En cuanto a su duración:

• Largometrajes: producciones de más de 60’ de duración.
• Mediometrajes: producciones entre los 30’ y los 60’ de duración.
• Cortometrajes: producciones entre unos segundos y 30’ de duración.

En cuanto a su intencionalidad: 

• Documental: se pretende captar la realidad tal y como es y someterla a análisis.
• Ficción: al contrario que en el documental, las obras de ficción no buscan captar la
• realidad sino recrearla y manipularla con el fin de narrar hechos que pueden o no haber
• ocurrido. Es el género más comercial. 
• Creación: el objetivo de este tipo de películas es el arte en sí, sin las limitaciones de los
• géneros, las convenciones narrativas y los estándares comerciales. 

                                                Tipos de planos
Plano de detalle (PD): es un plano muy cercano en el que la cámara nos muestra un objeto, un
detalle de un objeto o un detalle de una persona o animal. Sirve para recalcar la presencia de
algo para que no pase desapercibida por el espectador ya que es importante para la trama.
Primer plano (PP): es un plano que enmarca el rostro del personaje y parte de sus hombros.
Sirve para mostrar las emociones del personaje y sus reacciones ante lo que está sucediendo.
Nos acerca al personaje.
Plano medio (PM): es un plano que encuadra al personaje por encima de la cintura. Nos lo
muestra cercano pero nos da más pistas sobre su persona (cómo viste). También permite la
inclusión de más elementos en el cuadro (una segunda persona, por ejemplo). Es un plano
ideal para mostrar conversaciones.
Plano americano (PA): es un plano que encuadra al actor desde la cabeza hasta las rodillas y
se llama así porque se utilizó mucho en los westerns ya que servía para encuadrar al pistolero
asta la altura de su pistola. Pueden aparecer más detalles en el entorno, si bien el interés está
en la acción que desarrolla el actor más que en él mismo.
Plano general (PG): es un plano en el que el personaje aparece de personaje de cuerpo entero
y rodeado por su entorno. Pude o no haber más personajes. Puede ser un plano general corto
o largo, según la amplitud que lo encuadra. Un plano general largo es adecuado para mostrar
una escena de batalla o un paisaje majestuoso. En ocasiones puede ser utilizado para destacar
la soledad de un personaje, situando su figura vista a lo lejos y caminando por un desierto.



 El movimiento de la cámara y su angulación


Movimientos de cámara: el movimiento de cámara siempre debe llevarnos de un punto de
interés a otro, mover la cámara porque sí carece de sentido y confunde al espectador.
-   Panorámica: la cámara efectúa un movimiento de rotación, es decir, gira sobre su propio eje horizontal. Tienen una función descriptiva.
-   Travelling: la cámara efectúa un movimiento de traslación, es decir, cambia su situación sobre el suelo. Sirve para seguir el movimiento de un objeto de interés (una persona, un vehículo…) a su misma velocidad.
-   Cámara al hombro: tanto la panorámica como el travelling se pueden realiza cámara al hombro, lo que confiere frescura a la narración. Existen variantes de estos movimientos como el travelling subjetivo en el que el cámara camina o corre y simula que lo que vemos es lo mismo que ve el personaje.
-   Zoom: se puede simular un travelling mediante el zoom de la cámara. Sin embargo, este recurso da como resultado un efecto muy poco realista. La perspectiva no cambia, simplemente conseguimos hacer más grande una porción de la imagen. Es uso del zoom debe limitarse al mínimo y a ser posible no utilizarlo.


Angulación: existen diferentes tipos de angulación y todos ellos responden a diferentes
necesidades expresivas y funcionales.
-   Eje perpendicular: es la más convencional y utilizada. La cámara se sitúa perpendicularmente a la acción que pretende captar. Está situada a la misma altura que los personajes. Es la angulación más realista.
-   Picado: la cámara se sitúa a una altura superior a la de los personajes y los graba desde arriba. Suele dar una sensación vértigo o inferioridad del personaje que aparece.
-   Contrapicado: la cámara se sitúa a una altura inferior a la de los personajes y los filma desde abajo. Se suele emplear para dar una apariencia de superioridad. 
-   Angulación aberrante: no se utiliza demasiado salvo cuando se pretende provocar sensaciones muy concretas (extremas o desconcertantes). La cámara se ladea lateralmente además de por encima o debajo de la perpendicularidad produciendo un punto de vista que sugiera inestabilidad, ruptura, desequilibrio…



                                                 EL EQUIPO DE TRABAJO

Dentro de este apartado vamos a analizar los principales puestos dentro del equipo de una película, aunque hay más de los especificados en este apartado. El equipo se suele dividir en equipo técnico y equipo artístico.

• Equipo técnico
• Guionista:Es el encargado de escribir la historia.
• Músico Su trabajo comienza una vez que la película está montada, ya que ha de componer la música para que coincida con exactitud con los momentos acordados en cada secuencia.

Equipo de producción
-   Productor: es el propietario de la película, el empresario, el que asume el riesgo
económico. Pone el dinero o busca la financiación. El beneficio de la película es para el
productor.
-   Jefe de localizaciones: es el encargado de llevar a cabo la contratación con los dueños
de las localizaciones. Es el encargado de organizar la comida, de los desplazamientos,
etc.

Equipo de dirección
-   Director: es el responsable de la calidad de la película desde el punto de vista artístico y
narrativo, así como de decidir el tono de la película (tipo de interpretación de los
actores, ritmo, colores, fotografía, puesta en escena, etc.). Suele intervenir en la
elección final de los actores y en las correcciones del guión. Diseña la planificación de
la película.
-   Ayudante de dirección: su trabajo es organizar el set de rodaje. Tiene que controlarlo
todo y ser consciente de todas las necesidades en cada momento. Es quien elige en
qué orden se van a rodar los planos.
-   Script: encargado de llevar los partes de rodaje y de mantener la continuidad de
movimiento, posición, mirada y escenográfico en cuanto al atrezo, maquillaje, vestuario
e iluminación.

Equipo de cámara
-   Director de fotografía: trabaja ínfimamente relacionado con los equipos de maquillaje,
vestuario y arte. Posiciona los focos, mide la luz, etc. En postproducción trabaja
dirigiendo el trabajo del etalonador.
-   Operador de cámara: es la persona que maneja la cámara y por tanto responsable de
los encuadres.
-   Eléctricos: son los que físicamente colocan y enchufan los aparatos de iluminación.

Equipo de sonido
-   Técnico de sonido: responsable de la grabación del sonido directo. Tiene que conseguir
el sonido más limpio posible.
-   Pertiguista: sostiene el micrófono cuando se rueda.


Equipo de dirección artística
- Director artístico: responsable de la estética física de la película.
- Figurinista: establece la forma de vestir de los personajes.
- Maquillador
- Peluquero

Equipo de efectos especiales
- Jefe de efectos especiales: diseña los efectos necesarios desde efecto de lluvia a
grandes exposiciones, así como maquillaje de deformaciones, sangre, etc.

Equipo de postproducción
-   Montador


Equipo artístico

• Actores
• Especialistas
• Dobladores: suelen ser de voz o de desnudos.

Glosario de Cine

Añadí ciertos conceptos que les pueden servir para tener más claridad en torno a la escritura de su historia

Escena. Tal y como se llama en teatro, es la toma que coincide con la entrada y salida de actores del marco de filmación. Es una unidad de tiempo y de acción que viene reflejada en el guión cinematográfico. Suele explicar el momento y lugar en el que sucede algo. Ejemplo: Parque de atracciones. Exterior. Noche.

Secuencia. Es una acción un tanto complicada en la que se mezclan escenas, planos, lugares. No tienen por qué coincidir en ella en tiempo fílmico y el real. Poseen una unidad de acción, un ritmo determinado y contenido en sí misma. Se puede comparar al capítulo de una novela.

Story Board. Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que posteriormente han de superponerse.

Voz en off. Es la voz de alguien que no está en escena. Puede ser narrador, un pensamiento de alguien que está en escena, una canción desde fuera de campo, etc.

Cine de arte y ensayo. Se denominó de esta forma a un cine cuya característica más definitoria era su capacidad de innovación y experimentación formal. Se empleó inicialmente el término para diferenciar a las películas «artísticas» de las exclusivamente comerciales. Aunque no existió nunca como movimiento o tendencia se pudo consolidar en cierto momento cuando algunas películas se proyectaban casi exclusivamente en determinados cines, llamados de «arte y ensayo» que circulaban en dicha red de distribución. Se consideraron así a algunos grandes directores que no tenían mucho que ver con el cine industrializado de Hollywood, como Fellini, Bergman o Antonioni, ya sea por poner el énfasis en aspectos tales como la originalidad o la individualidad, ausentes del cine de Hollywood, o simplemente por su característica de ser «extranjero».

Cine de vanguardia. Este calificativo abarca una inmensa variedad de tendencias en la historia del cine, ya que es un término relativo al momento en el que se denomina. En esta categoría de filmes se suele incluir no sólo a estilos tan diversos como el dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el impresionismo, el expresionismo o la abstracción, sino el llamado cine marginal o «underground». Entre los logros que han caracterizado muchas películas de vanguardia está la búsqueda de una forma poética más pura y libre de la lógica narrativa, la profundización en el realismo o el desdén por el naturalismo. Una figura de renombre universal es Luis Buñuel.

Cine independiente. En los EEUU, a partir de la década de los 60, la nueva generación de directores se forman en la televisión. Se trata de unos cuantos cineastas inquietos también por hacer un nuevo cine narrativamente más independiente que no por el producido tradicionalmente por Hollywood; directores como Cassavettes, Lumet, Mulligan, Penn o Nichols. Muchos de ellos operaron desde Nueva York y crearon el cine underground, anticomercial, antihollywood y de vanguardia.

Cine Underground (Cine-subterráneo). Término acuñado por la prensa para describir a todo el cine marginal, abarcando aspectos importantes del cine independiente.

Cinéma verité. Paralelamente a la «nouvelle vague», muy cercano al mismo y con grandes coincidencias aparece en Francia el, «cinéma verité», de tendencia documentalista, que busca captar la vida tal como es. Nace a partir de la necesidad de algunos cineastas de filmar la realidad sin condicionamientos. Se hace posible con la fabricación de cámaras más ligeras, que permiten sincronizar al mismo tiempo el sonido, sin necesidad de la claqueta. Las filmaciones con la cámara al hombro, cambian muchos de los principios del cine y hacen posible la improvisación. De alguna manera era heredero de la filosofía fenomenológica. Históricamente podemos situar en este estilo el cine de Dziga Vertov y de Robert Flaherty; pero tuvo especial auge a fines de los 50 y principios de los 60 en cineastas franceses como Jean Rouch, Edgar Morin, Chris Marker, Willy Rozier y François Reichenbach, y en los norteamericanos Don A. Pennebaker, Robert Drew y Richard Leacock.

CinemaScope. Un formato panorámico de pantalla. Fue un cambio sustancial en la proyección y filmación de películas, al lograr una visión espectacular de situaciones y paisajes. La primera película fue «La túnica sagrada»,

Cinerama. Sistema de filmación y proyección, en el que con tres cámaras de 35 milímetros se rodaba la escena y tres proyectores pasaban simultáneamente las tres películas sobre una gigantesca pantalla curva que abarcaba prácticamente el campo de visión de los espectadores. Se estrenó en Nueva York el 30 de septiembre de 1952.

Climax. En cine, el momento culminante de una secuencia, omedia. Género destinado a provocar risa y diversión.

Continuidad/raccord/racor. En el guión es la construcción absolutamente detallada de la historia redactada de manera literaria, escena por escena y con sus diálogos. En el rodaje es coherencia entre los elementos de un plano y los de los siguientes. Al rodarse las películas frecuentemente en desorden cronológico (ya que se filma atendiendo a campos de luz, decorados, intensidad de las secuencias, climatología o compromisos de disponibilidad de actores, medios o personal técnico), el cuidado de la continuidad es esencial para evitar rupturas en la fluidez de la acción o el diálogo, así como discrepancias en los detalles, grandes o pequeños.

Corte. Es la forma directa de efectuar la transición entre dos planos. Se llama también cambio de plano por corte simple.

Cortometraje. Película de una duración menor a 30 minutos.

Cuadro. Zona delimitada por los cuatro bordes de la pantalla.

Desenlace. Es el momento final de un film, en el que se resuelve el relato, feliz, trágicamente o con final abierto a varias posibilidades.

Documental. Según Grierson, es un tratamiento creativo con imágenes reales. Es muy relativa la definición pues en el género documental, para presentar algo como real, se utilizan en la mayoría de ocasiones unas grandes dosis de truco y manipulación.

Edición: Se llama así al montaje cuando se hace en vídeo o sistemas informáticos. En sentido amplio, editar es montar.

Edición Digital: Montaje elaborado mediante equipos informáticos, ya sea basado en hardware o software.

Efectos especiales (FX). Todo el cine está repleto de efectos especiales, ya sean difíciles o complicados, aunque generalmente se les asigna más a los que son peligrosos o complicados. Lo que sí es característico de ellos es que siempre responden a técnicas de trabajo, algunas muy sofisticadas. Pueden ser mecánicos, sonoros, físicos, químicos, cinéticos... La lluvia, la niebla, los terremotos, el fuego, los cristales trucados, la nieve la sangre falsa, etc.

Eje de cámara: Recta imaginaria definida por la orientación de la cámara, que se extiende desde ésta al objeto filmado.

Elipsis. Es un salto en el tiempo y/o en el espacio. El espectador no pierde la continuidad de la secuencia aunque se han eliminado los pasos intermedios.

Emulsión: En fotografía, fina capa de sustancias químicas sensibles a la luz, adheridas a una base / soporte, que reaccionan en la exposición registrando la imagen que recibe el objetivo de la cámara. En función de la composición de la emulsión, distintas películas presentan distinto grado de sensibilidad a la luz. Dicha sensibilidad se expresa en unidades ASA, cuyos valores más frecuentes oscilan entre los 50 ASA (baja sensibilidad) y 400 ASA (alta sensibilidad).

Encadenado. Una transición de planos por sobreimpresión pasajera, más o menos larga, de las últimas imágenes de un plano y las primeras del plano siguiente.

Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura, y la línea de corte de los sujetos y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para lograr la armonía de la composición y la fluidez narrativa con que se habrá de montar posteriormente. Es decir, la forma de organizar la toma. Es uno de los momentos más delicados e importantes de la filmación ya que en él se tiene en cuenta el tipo de plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de la cámara y todos los puntos de vista que se requerirán para iniciar la toma.

Flashback (vuelta atrás). Es un recurso narrativo por el que se cuentan hechos ya sucedidos. Por medio del recuerdo, del sueño, de la narración de una historia, de la diferente óptica de un suceso por parte de varios personajes, a partir de la lectura de un libro de historia. Como ejemplo se puede ponerCiudadano Kane, de Orson WeIles.

Flashforward (ir hacia delante). Es una escena soñada, o proyectada hacia el futuro, o pensar lo que hubiera sido. La secuencia de los panecillos de Charles Chaplin en La quimera del oro, o los sueños de los personajes del pueblo en Bienvenido, Mister Marshall, de Luis G. Berlanga.

Fotograma. Cada uno de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la película.

Frame: (Ang.) Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un segundo de vídeo está compuesto de diversos números de frames, según la norma de grabación. En la norma PAL, utilizada en la mayoría de países europeos, un segundo contiene 25 frames. En la norma NTSC, estándar norteamericano, un segundo contiene aproximadamente 30 frames.

Free cinema. En Gran Bretaña, es el equivalente al «cinema verité» en Francia. El «free cinema» se encuadra dentro de una estética contestataria, insatisfecha con la sociedad en que vive, crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el «nuevo cine alemán» generó cineastas como Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la influencia del «mayo del 68».

Fuera de campo. Acción o diálogo que oímos pero no vemos ya que tiene lugar fuera del campo visual o campo de la cámara.

Fundido. Es una transición entre planos, en la que desaparece progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o, excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un cambio radical de escenario.

Fundido encadenado. Es un fundido más suave, en el que el plano es sustituido por otro que se le superpone progresivamente, sin corte.

Gag. Es un «golpe cómico» que no se espera. Puede ser visual, verbal o sonoro. Es tan importante en la historia del cine que durante muchos años ha existido en Hollywood la profesión de «gagman», que era quien inventaba las ocurrencias. En las películas cómicas estaba al lado del director para improvisar situaciones durante la misma acción del rodaje.

Género. Es una forma de clasificar las películas por su temática o estilo. Se habla de musical, policiaco, histórico, documental, etc.

Grúa. El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria y permite realizar multitud de movimientos. Es esencial para los planos secuencia complicados.

Guión. Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito, con narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios.

Guión técnico. Es el guión al que se añaden multitud de anotaciones y elementos que tienen que ver con el rodaje. Tiene más que ver con la planificación.

Largometraje. Película de duración superior a 60 minutos.

Mediometraje. Película con duración entre 30 y 60 minutos.

Melodrama. Género en el que se entremezcla lo sensible y emocional a la vida cotidiana.

Montaje. La organización de la película tras el rodaje. Elegir, cortar y pegar los diferentes trozos de película, con una idea determinada por el guión. Durante el proceso de montaje se seleccionan y descartan secuencias y se imprime el ritmo a la película.

Panorámica. Movimiento de rotación de la cámara sobre su soporte. Puede ser horizontal, vertical, circular, de barrido.

Película. Es la cinta que se proyecta. Ha sido con el tiempo de diversos materiales. La más conocida en sus primeros cincuenta años fue la de celuloide. Actualmente se hacen de triacetato de celulosa, que no se inflama. Es sus bordes tiene unas perforaciones que sirven para el arrastre en el proyector. Los formatos de la película son muy variados, pero los más comunes han sido los de 16 mm. Y 35 mm. El de 70 mm se hizo muy común en la década de 1960, hasta el presente. En cine familiar y amateur se ha trabajado mucho con 8 mm.

Persistencia retiniana. El ojo retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de su desaparición, lo que permite ver 24 imágenes fijas por segundo como una imagen en movimiento continuado. Roget, físico, descubrió el fenómeno en 1824.

Plan de rodaje. Se llama a un documento gráfico, normalmente en forma de tablero, que indica a los participantes en el rodaje, en un calendario, el número de planos, escenas o secuencias a rodar por día, la participación de actores y figurantes y los requerimientos de todo orden que deben estar disponibles para cada jornada de trabajo.

Plano. Es lo filmado de una sola vez. No obstante, plano también se llama el espacio que recoge la filmación en relación con la figura humana: plano general, plano entero, plano americano, plano medio, primer plano, plano detalle.

Plano-secuencia. Secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación.

Planteamiento. Siguiendo la terminología de la literatura, es la parte inicial de la trama en la que se presentan los personajes y el conflicto que se va a desarrollar.

Productor. Es quien aporta (o gestiona la búsqueda) el dinero para la película. A veces se convierte en productor ejecutivo, cuando debe controlar el presupuesto, hacer los contratos, conseguir los permisos de rodaje, procurar la comida y alojamiento del equipo.

accord (Racor). Es la coherencia entre unas secuencias y otras. En gramática equivale al papel que hace la concordancia. Si una actriz lleva un vestido roto en una secuencia debe mantenerse así mientras dure esa situación. Lo contrario se llama «falta de raccord».

Realizador. A veces sinónimo de director. Se le llama sobre todo cuando se ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje.

Ritmo. Es el movimiento que se imprime a la acción en una película y se consigue adecuando la duración de cada plano y los recursos sonoros, icónicos y expresivos que se utilizan. El ritmo puede lograrse con planos de corta duración y numerosos, en un ritmo rápido, con planos de larga duración y muy poco numerosos, en un ritmo lento, planos cada vez más breves, o cada vez más largos (in crescendo), o sin norma fija, con cambios bruscos. Los sonidos y la música pueden apoyar el ritmo de las imágenes.

Rush. Se llama a los fragmentos de cada toma.

Scrip. Se llama así a la secretaria de rodaje. Realiza una función muy importante y de gran responsabilidad en el desarrollo de la película. Una de sus más relevantes tareas es la de lograr que haya continuidad entre las escenas, dejando claramente constancia de cualquier detalle que vaya a ser continuado en la secuencia posterior, aunque medien entre ellas días o espacios de tiempo muy amplios, con el fin de evitar incoherencias de rodaje y faltas de racor.

Secuencia. Es una acción un tanto complicada en la que se mezclan escenas, planos, lugares. No tienen por qué coincidir en ella en tiempo fílmico y el real. Poseen una unidad de acción, un ritmo determinado y contenido en sí misma. Se puede comparar al capítulo de una novela.

Serie B. Películas de menor presupuesto en función de expectativas comerciales.

Sonido directo. Grabar los diálogos y sonidos al mismo tiempo que se realiza el rodaje. Se gana en naturalidad pero se pierde en claridad de voz.

Suspense. Estrategia creada por el director de una película para mantener en vilo al espectador, ya sea mediante recursos que prolongan la tensión, o dando informaciones al espectador sobre cosas que los protagonistas no conocen.

Sound track. Es una banda en la que se registran los sonidos de todas las bandas menos la de diálogos.

Story Board. Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que posteriormente han de superponerse.

Telefilm. Es una película realizada para televisión y que se ajusta a sus técnicas de filmación y montaje.

Tema. La idea o ideas de fondo que se quieren transmitir a través de una trama argumental.

Títulos de crédito (ver créditos). Son los rótulos que aparecen al principio y al final de la película: título, nombres de los actores y otros profesionales que han trabajado, y otras informaciones interesantes sobre el film.

Toma. En la gramática del lenguaje, se puede decir que la toma es el momento que transcurre desde que el obturador se abre hasta que se cierra. Equivale a la palabra plano, que es la unidad operativa elemental de la película. Si el fotograma es la palabra, el plano es la frase. Es la filmación o fotografiado. También se llama a la acción de filmar: vamos a hacer una toma.

Tráiler. Es el avance de una película. Se realiza con fines publicitarios, para que los espectadores de una película queden atraídos por otra que se proyectará en el cine días después. Actualmente los podemos ver en Internet, mucho más cortos. Directores de fama, como Orson Welles han hecho tráileres de sus películas, que hoy son considerados como verdaderas obras de arte.

Trama. Línea de estructura de una historia en donde se planifican los conflictos y las tensiones para tener atrapada a la audiencia con el desarrollo de los acontecimientos.

Travelling. Movimiento de cámara obtenido mediante el desplazamiento de la misma sobre raíles o cualquier otro sistema.

Trhiller. Género cinematográfico o literario que persigue despertar la emoción, la intriga, la tensión y el suspenso a partir de la narración de algún hecho criminal o judicial, también puede referirse a las películas cuyo fin es un tanto abierto, inconcluso y que se prestan a distintas interpretaciones.

Voz en off. Es la voz de alguien que no está en escena. Puede ser narrador, un pensamiento de alguien que está en escena, una canción desde fuera de campo, etc.

Formato

Los guiones de cine se escriben siguiendo un formato específico que permite que el director, los actores y cualquier otra persona que intervenga en la producción puedan interpretar el texto fácilmente.

Básicamente, en un guion la historia aparece desglosada en escenas. Cada escena consta de los siguientes elementos:


Encabezado

El encabezado da información sobre el lugar donde transcurre la acción. Consta de tres partes:

1. La abreviatura "INT." o "EXT", que indica si la acción trancurre en interiores (espacios cerrados) o exteriores (espacios abiertos).

2. El lugar concreto en el que la escena transcurre (por ejemplo, "COMISARÍA DE POLICÍA").

3. La palabra "DÍA" o "NOCHE", o cualquier otra que se quiera usar para indicar la hora del día.

Ejemplo (el encabezado aparece resaltado en azul oscuro):


INT. COCINA DEL PISO DE RUBÉN Y GUILLERMO. DÍA

RUBÉN está cocinando espaguetis. Coge uno y lo prueba para ver si está al dente. Suena el TIMBRE DE LA PUERTA.


Descripción de la acción

En ella se muestra la acción, expresada en imágenes y sonidos. Debe estar redactada de forma concisa y con los verbos en presente. Pondremos en mayúsculas el nombre de los personajes (aunque sólo la primera vez que aparezca cada nombre) y las descripciones de los sonidos.

Ejemplo:


INT. COCINA DEL PISO DE RUBÉN Y GUILLERMO. DÍA

RUBÉN está cocinando espaguetis. Coge uno y lo prueba para ver si está al dente. Suena el TIMBRE DE LA PUERTA.
Diálogo

Cada bloque de diálogo debe ir precedido por el nombre del personaje que habla (en mayúsculas). Las palabras pronunciadas por un personaje las escribiremos en un único párrafo.

Ejemplo:


RUBÉN está cocinando espaguetis. Coge uno y lo prueba para ver si está al dente. Suena el TIMBRE DE LA PUERTA.
El guion debe estar escrito empleando una tipografía Courier (o New Courier) de 12 puntos (la empleada en las máquinas de escribir). El texto debe ir alineado a la izquierda (no centrado ni justificado, aunque se dejará un margen adicional, a ambos lados, al escribir los diálogos).

Se estima que en un guion correctamente formateado (y redactado) cada página corresponde a un minuto de imagen en la pantalla.

RUBÉN
¡Guillermo! ¡Será tu primo!

RUBÉN
¡Guillermo! ¡Será tu primo!

Ejemplo de Guión Literario

CORTOMETRAJE CONVIVE TÚ
INT. PASILLO-COMEDOR. DÍA

Nos encontramos en un piso. La puerta del recibidor se abre y entra RUBÉN (22), con una carpeta de estudiante bajo el brazo. Cierra la puerta y deja las llaves en el colgador. Recorre el pasillo y entra en el comedor, donde está GUILLERMO (23), sentado frente a una mesa, enfrascado en lo que parecen experimentos de química. En la mesa hay tubos de ensayo, probetas, etc. INT. COCINA. DÍA

RUBÉN está cocinando espaguetis. Coge uno y lo prueba para ver si está al dente. Suena el TIMBRE DE LA PUERTA.

RUBÉN
¡Hey!

GUILLERMO
(sin girarse) Mira, no te pierdas esto.

Rubén se acerca a mirar. Guillermo echa unas gotas en un tubo de ensayo. Sale un poco de humo.

GUILLERMO
¿Has visto? Reacciona bien... ¡Ajá!

RUBÉN
Vale, pero como no me digas qué es...

GUILLERMO
Un disolvente que estoy inventando. ¡Potentísimo! Si metes el dedo, en dos minutos adiós dedo. La fórmula lleva coca-cola. Por cierto, he tenido que cogerte un par de latas que tenías en la nevera.

RUBÉN
No importa. Interesante... Bueno, voy a ver si me pongo a estudiar, que tengo el examen dentro de dos semanas y todavía no me he mirado nada.

GUILLERMO
Ponte, ponte, no sea que te cateen. Oye, mañana vendrá a comer un primo mío, que ha empezado a trabajar aquí al lado. Hace tiempo que no le veo. Estarás, ¿no? Nos podías hacer esos espaguetis que te salen tan bien.

RUBÉN
Sí, claro, y luego os friego los platos, ¿no? ¡Qué morro!

RUBÉN
¡Guillermo! ¡Será tu primo!

Nadie responde.

RUBÉN
¡Guillermo!

Deja el cucharón y se dirige hacia el pasillo.

RUBÉN
¡Ya voy!